Арт-директор брендингового агентства Depot WPF Ирина Коротич
Сразу оговорюсь, что этот материал не претендует на объективность. Он написан не с целью научить чему-то, а, скорее, чтобы вдохновить на поиски и подвиги.
Итак, вы — дизайнер или арт-директор. Вы много лет назад окончили вуз N по специальности «Дизайн» или недавно выпустились из частного заведения «Б», поставляющего на московский рынок замечательных свежих специалистов.
Когда-то вы с энтузиазмом родили свой гениальный и концептуальный диплом, успели поработать 5-10 лет «на передовой» в брендинговом или рекламном агентстве (а возможно, и там, и там). Скорее всего, вы успели приуныть пару раз из-за «продажности этого мира» еще пару раз — из-за того, что с некоторыми клиентами очень трудно. А в общем, вы начали чувствовать, что, куда ни глянь, как-то все похоже.
Естественно, за каждым дизайном лежит свой креатив. Но почему же тогда почти каждый новый релиз в сфере дизайна выглядит как-то до удивления знакомо? Каждый раз, пролистывая новостную ленту, ловишь себя на мысли: вроде бы этот кейс выходил еще пару лет назад, или это правда что-то новое?
Бывает, что вы, к примеру, заканчиваете работу над своей гениальной идеей, но, посмотрев со стороны, понимаете, что она вам что-то подозрительно напоминает. Дело вовсе не в том, что кто-то у кого-то ворует.
Просто основных цветов всего семь, а букв — 33, и все мы варимся в одном культурном котле интернет-сетей. А еще у всех дизайнеров есть одинаковые Adobe, Wacom, фотоаппарат, стоковые сервисы с клипартами и то, что он умеет (если умеет) рисовать руками. Инструментарий на всех один.
Так вышло, что я дизайнер не в первом поколении: мой папа Александр Коротич тоже этим занимался, и он начинал работать еще в докомпьютерную эру. Поэтому, когда я была маленькой, часто наблюдала, как папа рисовал дизайны (кстати, перед ребятами в детском саду я называла его «художником», так как «дизайнер» звучало «не круто»). Чтобы сделать обложку книги, плакат или листовку, приходилось жуть как «попотеть»: отдельно руками рисовалась иллюстрация или создавался коллаж, в ход шли вырезки из журналов и фотографий, цветная бумага, вырезки от упаковок.
На кальке выклеивалась шрифтовая композиция (это делалось для того, чтобы в типографии могли сделать «инверсию» и напечатать надписи поверх иллюстрации). Наборные шрифты наносились путем летросетов, трафаретов и нормографов. Акцидентные шрифты копировались из библиотечных книг — дизайнер вырезал из этих копий буквы и составлял из них заголовки.
Конечно, кириллических шрифтов было крайне мало (в миллион раз меньше, чем сейчас, — нам грех жаловаться) и приходилось путем аппликации и рапидографа «кириллизировать» латинские.
Все это делало работу трудоемкой и долгой. В то же время кропотливость заставляла быть точным в передаче идеи, и появлялось очарование ручного мастерства.
Сейчас — другое дело. Всего много. И то, что раньше делалось за целый день, сейчас разрабатывается за час в трех вариантах. Это хорошо, потому что позволило воплотить несчетное множество классных идей и сделать это качественно. Но это плохо, потому что мы «набили руку» на одних и тех же приемах: векторная графика, паттерны, стилизация, стоковые фото и бла-бла-бла.
Да, можно придумать и нарисовать логотип за час: кто-то воплотит интересную идею, а кто-то сделает лого «ни о чем», но оба они могут смотреться вполне качественно и современно, поскольку будут нарисованы в векторной программе, да еще и визуализированы на красивых мокапах.
Дизайнер — это прикладная профессия (как плотник, который может выпиливать лобзиком красивые трюмо, а может делать гробы). Вы должны решать конкретные задачи в прописанные на бумагах сроки. В какой-то момент вам может стать очень скучно и покажется, что в глобальном масштабе в дизайне тишь да гладь, никаких революций и открытий не происходит.
На самом деле, место для чего-то нового (хотя бы в формате эксперимента) есть всегда. Особенно, если есть возможность поработать с клиентами, которые готовы к любым поворотам событий. Можно экспериментировать с некоммерческими проектами.
Приведу несколько примеров нестандартных инструментов для создания дизайна. В большинстве своем они находятся вне этой сферы (в 90% случаев это проекты на стыке дизайна и науки).
Правила, которые нужно соблюдать при погружении в эксперименты, чтобы оставаться адекватным
1) Нужно помнить о контексте той сферы, для которой вы создаете дизайн, и представлять, что было до него и как он будет жить в ней. Хорошим примером для иллюстрации контекста служит стритарт, лэндарт и инсталляции.
2) Необходимо помнить о человеке: всем давно известно, как здорово быть в диалоге с потребителем вашего дизайна.
Примеры
Ребрендинг Ассоциации коммуникационных агентств России (проект Depot WPF)
Креативный директор проекта Саша Загорский как раз является ярым сторонником того, что на месте стоять нельзя, и пропагандирует смелые эксперименты и решения для некоторых проектов. Интересуясь наукой, Саша когда-то узнал о технологии окулографии и вовремя вспомнил, где ее можно идеально применить.
В проекте ребрендинга АКАР существует взаимосвязь с контекстом (траектория взгляда оставляет след, в котором сохранен старый дизайн), с человеком (старый логотип-глаз Саша превратил в инструмент создания новой айдентики) и с наукой.
Айдентика берлинской студии пост-продакшена Troll, созданная студией Pacifica
С помощью метода анимации «захват движения» студия создала классного живого персонажа из букв.
Проект Debug — искусство, созданное насекомыми
В этом видео показано, как с помощью жуков, хитрого софта и мудреных приспособлений команда голландской студии Edhv сделала для Недели дизайна триста уникальных постеров.
Йельте ван Аббема
Еще дальше в микромир шагнул датский дизайнер Йельте ван Аббема (Jelte van Abbema). Он печатал изображения на постерах и билбордах с помощью специально выведенного вида бактерий. Картинки изменялись в зависимости от жизненного цикла микроорганизмов.
Эксперименты с материалом — это вообще отдельная тема. Чаще всего их позволяют себе только студенты и смелые промышленные дизайнеры, но хотелось бы, чтобы это было не так. Вот очаровательный футуристичный проект «This too shall pass» от студии Tomorrow Machine. Здесь привычные продукты питания: сок, рис, масло обретают биогразлагаемую упаковку из воска, сахара и агар-агара, и это выглядит вполне реально, как будто вот-вот наступит такое будущее.
Если биолаборатории и чудеса техники вам пока недоступны, есть еще пара примеров.
Постеры BAIN (студия Baillat Cardell & fils), созданные к международной биеннале Digital Arts в Монреале, сделаны при помощи специально написанного софта, который сгенерировал 260 уникальных постеров из загруженного в него контента.
А вот кадры из клипа испанского автора фестивальных работ Хоана Гоаша (Joan Guasch), сделанные из рваных фрагментов сканированных 3D-моделей.
3D-печать и сканирование — это не ново. Если вам кажется, что оборудование дорогое, это неправда. 3D-принтер сейчас можно найти и за $200 (хороший — от $1000), а роль сканера может сыграть сенсор от Kinect для Xbox и софт за $100. У нас в студии валяется такой, и мы даже отсканировали нашего креативного директора Сашу Загорского (правда, пока без особых идей).
Конечно, большая часть этих проектов пока выглядит маргинально, но именно такие эксперименты развивают дизайн, рождают тренды, которые потом, возможно, подхватят и большие коммерческие бренды.
Если говорить о методике поиска нестандартных инструментов, «железный» вариант, как мне кажется, пока только один: идти «от обратного»: много интересоваться наукой, современными открытиями, экспериментировать с материалами, ходить на выставки, узнавать новое от других специалистов. Например, смотреть на бегущий вперед со своими инновациями Google.
